SPECTACLE

Mise en scène: Pascal Castelletta

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Nous assénerons un coup de maillet sur la grosse caisse à propos des spectacles du STUDIO ATELIERS / SPECTACLES, dont beaucoup ont fait carrière, tels que « SAVAGE/LOVE » de Shepard – 950 représentations … « JE ME TIENS DEVANT TOI NUE » de Joyce Carol Oates (+ de 250 représentations) et tant d’autres. Suit un digest critique. Veuillez noter que ces critiques (*) s’appliquent à des spectacles montés par Robert Cordier avec des élèves d’Acting, dont de nombreux sont aujourd’ hui, à notre grande fierté, des fers de lance de la profession. Ceci incita un grand critique à dire :    « C’est New York à Paris… LA VOIE RAPIDE VERS UNE CARRIERE «  --Gilles COSTAZ

Quelques critiques sur nos spectacles montés avec nos élèves :

« Un théâtre jeune et ardent*** » PARIS MATCH/ »… toujours convaincant ! » Le MONDE/ » Très bons acteurs. » Ariel WIZMAN (Canal +) « Formidable spectacle.» FIGAROSCOPE /  « Excellent… Foncez-y. »  LIBERATION/ »Les critiques sont d’accord :UN MUST. »/ALLO PARIS/ »Des comédiennes inspirées, drôles, fougueuses … mise en scène impeccable. » L’HUMA/ »Un vaste talent. TOP ! » BACKSTAGE, N.Y./  «  … ne cesse de fasciner… instinct et maîtrise. Voilà du théâtre. » LES TEMPS MODERNES/ J.P. Sartre/ »Ferveur & savoir-faire. Allez-y ! »  INTERNATIONAL HERALD TRIBUNE/ » … une acuité toute moderne des textes mis en scène. Ceci, tablant sur la création et une interrogation moderne des classiques, nous fera déserter en courant certains théâtres très officiels. »/Le MATIN/ »Quoi qu’il se passe chez Cordier, moi…je suis subjuguée. »K.G. Nulle Part Ailleurs/ CANAL+ / »Dévastateur… des choses étonnantes…implacable… superbes… c’est extraordinaire ! »Le Vif/L’EXPRESS/ « A NE PAS MANQUER ! » P. Chemin de EN VILLE/7 à Paris/ « Simplement formidable. » La VANGUARDIA : Barcelone / « Qu’il s’agisse de l’américain Shepard, de Genet, ou de Claus, d’Ibsen ou de Strindberg, Robert Cordier est un de ces trop rares metteurs en scène qui vous envoient le théâtre comme un coup de poing dans le plexus solaire. » DRAPEAU ROUGE/Bruxelles/ « Le meilleur du théâtre-off à Paris. » IL TEMPO/ROMA : « Des fulgurances qui valent le déplacement. Sellars ou Fassbinder en son temps n’aurait pas désavoué. « /LE SOIR « MAGNIFIQUE !! »PARIS/PREMIERE/TV/ « On ne peut ne pas faire mieux…enchantant. »BBC/Londres/ « Hilarant. »WEB CITY/Paris/ « Marrant, violent ! Theme : le couple !Un foutoir monstre. Pas banal ! »CHARLIE HEBDO/ « Le talent le plus original apparu dans notre théâtre depuis de nombreuses années. » Murray SCHISGAL / « Un feu d’artifices poétiques, un cocktail explosif… tous ces jeunes acteurs … comme sortis d’un film de Scorcese sont… des graines de stars pour la plupart. »GAI PIED/ « Eblouissant… le coup de jeune que le théâtre attendait. «  Le MATIN/ « MAGIQUE. A VOIR ABSOLUMENT !  « /COSMOPOLITAN/ »  Les superlatifs manqueraient… détonnant spectacle…tout y est… le metteur en scène tire des effets comiques inouis… digne du meilleur Woody Allen… spectacle CHOC & à voir. «  GAI PIED HEBDO/ »Sexy ! … Direction excellente des rythmes et de la langue. Le jeu des acteurs trouve les tripes sous les mots. Emporte la partie. »/ « Sexe ,vérité et pelotage… DU CINEMA EN CHAIR ET EN OS … choréographie… belle étrange… une pièce dérangeante et ironique … à la fois Garbo et Woody Allen. » GLAMOUR / «  ZUCCO & EDMOND : L‘intention de Cordier n’a pas seulement valeur d’exercice pour les jeunes acteurs, soumis à un rude training, et déclinant toutes les facettes de leur savoir-faire … un superbe coup double. »LIBERATION / « Nous décernons 3 *** aux comédiens novices et bilingues. La « Robert Cordier’ Touch » montre encore une fois son efficacité cinglante dans la direction d’acteurs. Quel  savoir diriger ! » L’HUMANITE / « REMARQUABLE !! » L’EVENEMENT DU JEUDI / « HORS PAIR !! A couper le souffle ! » FLUIDE GLACIAL/ «  Comédiens parfaitement dirigés. »  Le FIGARO/ « Des jeunes acteurs remarquables. » VSD/ « Simplement FABULEUX ! » PARIS PREMIERE.

ATELIER VOYAGES - LE BOUFFON

Intervenant: Hervé Laudière

Dans le passé cet atelier, a été dédié à l’écriture moderne :Tennessee Williams, Jean-Paul Sartre, Adamov, Sam Shepard, Harold Pinter, Dario Fo, Heiner Müller, Joyce Carol Oates, David Mamet, Bernard-Marie Koltès, Xavier Durringer et autres dramaturges-phares. Cette année nous voyagerons du côté de Shakespeare, Ibsen, Jarry, Fo et de Ghelderode …

Un - à travers les bouffons - parodie de nous-même :
Déformation des corps, caricature des démarches, distorsion de la parole - nous chercherons la monstruosité, l'animalité, la cruauté et la dérision. Le corps entier devient un masque. A travers des exercices individuels et de choeur, nous chercherons à mettre en espace le mystère des choses et à atteindre le territoire ‘fou’ de la tragédie.

Deux - le fou - provocateur suprême, il transgresse chaque limite et déplace les repères - il ne respire que par le jeu et recherche l'enjeu d'une scène obligeant ainsi l'acteur et l'actrice à un éveil constant, un état de conscience et de disponibilité maximales, lui permettant de changer à toute vitesse d'état, d'émotion, d'axe. Il nous entraîne ainsi :

Trois - sur la piste des personnages de fou dans le répertoire :
Toute la gamme des fous se décline chez Shakespeare :le trio du fou de Lear et d'Edgar dans Le roi Lear, Richard III, Hamlet - Ophélie, Lady Macbeth, Puck et Bottom dans Le songe d'une nuit d'été, mais aussi : Folial dans Escurial de de Ghelderode, Mistero Buffo de Dario Fo, Ubu de Alfred Jarry, Peer Gynt d’Ibsen

Après "l'état neutre" et "le clown", le travail sur "le fou" est le point d'orgue qui vient clore le parcours des comédiennes et comédiens soucieux d'approfondir et d'élargir leur capacité de jeu et d'interprétation.

TRAVAIL DE L'ACTEUR SUR LE ROLE

Intervenant: Alexandre Velikovski

En observant le passé du théâtre, en voyant les affiches de théâtre aujourd’hui, on remarque que bien souvent les théâtres présentent les mêmes auteurs et les mêmes œuvres, qu’ils soient classiques ou contemporains. On pourrait penser que tout le monde connaît ces œuvres, que les histoires sont connues depuis longtemps, que l’époque et le lieu de l’action ne changent pas, que les héros sont toujours les mêmes… Quel intérêt les théâtres trouvent-ils à présenter des pièces si souvent mises en scène ?… Quel intérêt les spectacteurs trouvent-ils à retourner voir une pièce dont ils connaissent par cœur l’histoire ?… Bien entendu, direz-vous, une grande partie dépend de la vision du metteur en scène… du scénographe… tous les spectacles sont différents… Et certains ajouteront… les acteurs aussi sont différents, ce qui est aussi bien sûr important…C’est vrai, acquiescerons-nous, c’est important, mais le plus important, c’est qu’ils ne sont pas simplement différents, c’est que la profession d’acteur nous permet de comprendre et de présenter le même personnage d’une quantité infinie de façons selon ce que l’acteur fait et comment il agit sur scène.

Pendant nos cours, nous tâcherons à force de pratique de comprendre qu’il en est bien ainsi. En se plongeant dans les textes d’auteur, nous verrons que l’acteur, en jouant un même rôle, en maniant un même texte, peut, tel un magicien, changer complètement – parfois jusqu’à devenir méconnaissable – en transformant de façon souvent radicale l’idée que l’on avait d’un personnage dramatique.

Il arrive d’entendre l’idée répandue selon laquelle la profession d’acteur -l’acteur lui-même- dépend du metteur en scène, de l’auteur, du producteur etc… De même on réduit trop souvent le travail de l’acteur à une simple fonction, à la réalisation de la volonté exclusivement d’un autre… Au cours de notre travail, nous essaierons d’explorer cette zone dans laquelle l’acteur, qui par définition se trouve être l’exécutant, reste au fond un créateur indépendant, cette zone dans laquelle personne d’autre que lui ne peut créer !

ATELIER MICHAEL CHEKHOV

Intervenant: Alexandre Louschik

Les clefs d’accès aux sources d’inspiration du travail créatif du comédien. “L’inspiration ne se commande pas, elle est capricieuse, c’est pourquoi  l’acteur doit avoir une solide technique à sa disposition.” - Michael Alexandrovitch Chekhov

Objectif de l’atelier:

Rendre le comédien plus inspiré et libre dans son travail, plus indépendant,

et lui donner un accès plus immédiat aux sentiments de grande ampleur et profondeur (c’est-à-dire à la matière nécessaire à la création théâtrale).

Thèmes des exercices:   

  le sens de l’aisance: atteindre la légèreté intérieure 

  l’attention: comme instrument d’exploration active 

  l’imagination: rendre l’imagination plus créative et plus libre   

  l’atmosphère: de l’espace, du personnage, d’événement etc. 

  l’action avec coloris: comme clef pour atteindre les sentiments  recherchés 

  tempo-rythme et la pause:  découvrir le lien entre l’action interne et externe 

  la corporisation et l’incarnation du personnage : le corps et le centre imaginaires 

  le geste psychologique: geste de l’âme, du “corps émotionnel” 

  le rayonnement: libérer /mettre en marche /éveiller /utiliser la charisme de l’acteur,

   son rayonnement interne  

  la réceptivité: savoir capter intentions, pensées, sentiments, atmosphères etc.

Les techniques psycho-physiques, une approche originale du travail du texte, et la création de personnages seront également proposés pendant l’atelier

Grand comédien, metteur en scène et pédagogue, Stanislavski disait de la “Méthode” qu’il avait  “découverte” qu’elle était faite pour être développée et servir de base pour que chacun de ses élèves crée la sienne propre. Stanislavski considérait Michael Chekhov comme l’un de ses meilleurs élèves en tant qu’acteur, metteur en scène et pédagogue. “Virtuose” de la méthode Stanislavski, Michael Chekhov a su tracer de nouvelles perspectives et mettre en valeur des approches nouvelles de la “Grande Méthode”.   Les techniques créatives de Michael Chekhov ont beaucoup influencé le théâtre russe, européen et mondial.

“Si la Méthode de Stanislavski est une grande école, l’approche, la méthode que je propose, c’est l’université pour l’acteur”,  disait Michael Chekhov. Cet atelier propose d’aborder les fondements de cet enseignement. 

L'ALEXANDRIN

Intervenant: Manu Doublet

«  Il n’y a pas encore des mots, il n’y a que des syllabes et des rythmes. » Paul VALERY :’ De la diction des vers’  Mais, qu’est-ce que c’est donc, un alexandrin ? :

L’alexandrin est un vers de douze syllabes. Parmi ces syllabes, certaines sont dites Accentuées ; certaines, atones, selon qu’elles obéissent ou non, soit à l’accent d’insistance, soit à l’accent tonique. Ce sont les rebondissements subtils de ces syllabes atones se heurtant ou s’accordant avec les syllabes accentuées qui constituent le rythme de l’alexandrin

Outre ses douze syllabes, l’alexandrin se divise en un certain nombre d’éléments rythmiques. On appelle élément rythmique, un groupe de mots qui expriment une idée simple et unique. En général l’accent tonique ou rythmique a lieu sur la dernière syllabe de tout élément rythmique.

Après la sixième syllabe de tout alexandrin, il y a ce que l’on appelle la pause, ou le repos. Cette pause divise dont l’alexandrin en deux hémistiches.

Que toujours dans vos vers le sens coupant les mots

Suspende l’hémistiche et marque le repos. -Boileau, Art Poétique

Pour jouer l’alexandrin :  «  Ne vous hâtez pas d’accéder au sens… Demeurez dans un pur état musical jusqu’au moment que le sens survenu peu à peu ne pourra plus nuire à la forme de la musique. » disait Paul VALERY

Dans le tourbillon de passion qu’est toujours la pièce en alexandrins, cherchez la respiration, le souffle … n’ ‘arrivez à la tendresse, à la violence, que dans la musique et par elle. Et puis souvenez-vous l’exécution repose toujours sur l’un des trois points essentiels du dire et du jouer : le sentiment, la respiration, la longueur du vers ou de la phrase.

Il importe avant tout de RESPIRER, de ne jamais s’étouffer… tout en donnant de l’ampleur aux syllabes.  Les mots sont des actions. Le rythme les fait vivre et voler…  et l’acteur est un goûteur de mots, un tastemot.

ATELIER AUDIONS & CASTINGS

Intervenant: Christophe Lemaître

Les deux premiers trimestres le comédien approfondit ses connaissence du travail du plateau, nous nous intéressons maintenant à son avenir. Si son expérience est encore balbutiante, il doit néanmoins trouver du travail,  jouer,  pratiquer le métier qu’il est en train d’acquérir. Il répondra à diverses demandes et sera amené à faire de nombreux castings. Ils sont les intermédiaires incontournables de l’accès aux tournages. Seulement il y a beaucoup de comédiens et beaucoup de directeurs de castings. C’est pourquoi il est important de savoir gérer ces rencontres. Elles sont déterminantes dans le succès du travail de l’acteur. Il est certes important de rester soi-même, d’être naturel, spontané mais pas au détriment d’un certain professionnalisme. Il est important d’être prêt pour se livrer lors d’un casting. C’est un moment où l’acuité de l’acteur doit être particulièrement performante. Il doit saisir, comprendre, analyser, restituer et illuminer son personnage en un rien de temps. On est loin des répétitions où la rencontre avec l’autre est progressive et peut prendre quelques semaines.

Pour enrichir son potentiel et le préparer à ces contacts avec les castings nous travaillons sur plusieurs axes contribuant à solidifier la personnalité de l’acteur.

La concentration doit être optimale pour que l’acteur soit concentré sur l’unique but de son travail : réussir à sensibiliser l’autre, celui qui regarde et écoute, celui qui décide, le directeur de casting. Car si l’acteur est performant, le casting n’est toujours qu’une étape, il peut séduire mais avant tout ne jamais tricher. Si l’acteur est choisi il aura tout le loisir d’approfondir son travail et de proposer quelque chose de plus subtil, de plus profond, de plus éclairé que lors du casting.