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NOS
TECHNIQUES ET METHODES
PUISEES A
LA SOURCE
ENSEIGNEES
PAR DES
MAITRES MONDIALEMENT RECONNUS
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RUBRIQUES:
Actors Studio
/
Method Acting
Stanislavski
Chekhov
Meisner
Meyerhold
Vakhtangov
Adler
Jouvet
Dullin
Brecht
Strasberg
Artaud
15 outils de base
C'est quoi être acteur?
Votre carrière
Direction d'Acters
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Mais de quoi parle-t’on
quand on parle d’Acting ?
Est-ce du système Stanislavski pur et dur ou du même fidélement
synthètisé par Vakhtangov ou Boleslasky &
Michael Chekhov?
Ou de la
‘Méthode Actors Studio’ médiatisée
par les écrits & pratiques de Lee Strasberg à l’Actors Studio fondé par Kazan, à l’instigation de
notre mentor commun, Harold Clurman? Méthode que Bobby Lewis,
disciple émérite de Chekhov, qualifia dans son livre de ‘Méthode
ou Folie?’ Et quoi de Uta Hagen & de son 4ème Mur? Ou de
Stella Adler, professeur de Brando & de de Niro, avec
son système d’actions & justifications? & quoi de la super
efficace Technique Meisner, inspirateur de Mamet,
de Lumet ou Pollack & Robert Duvall,-- prolongée aujourd’hui par
Bill Esper & Terry Knickerbocker professeur à Acting in NY--
basée sur la réalité du faire – faire vraiment -- dans la
perspective des circonstances imaginaires?
Disons -
le - en toutes ces méthodes interdépendantes & parfois
contradictoires, épelées de mille manières on ne parle que de
l’essentiel: ‘Jouer c’est faire du mensonge du jeu un objet faux
qui fait vrai & est vraiment crédible. Un mensonge créatif réel
dont le public pourra se divertir à son gré. La vérité ici étant
ce en quoi l’acteur croit fermement dans la situation du
personnage.
Acting !! Le seul système ou méthode qui vaille c’est la nature de la création.
«Le drame est le spectacle de l’âme, pourvu qu’elle se fasse
voir et devienne matière & objet de spectacle» dit Jacques
Copeau.
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Méthodes
& Techniques d'Acting International

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la brochure
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LES MOTS SONT DES ACTIONS
Synthèse de nos méthodes de travail & techniques
Apprendre à jouer est un défi. La résolution difficile et …
comme une gageure, de capter et d'adhérer au contenu humain "du
jouer ", qui consiste à faire, osant confronter ludiquement sa
créativité " de la
couronne à l'orteil ". Toute peur vaincue, il s'agit, pour
"l'actuant " d'ouvrir et explorer ses placards noirs. Autant que
l'acte du faire est la pratique du "renoncement de soi pour
l'avancement de soi- même", c'est un métier qui est une façon de
vivre, un diagnostique aussi qui rend ce métier-là, quand on le
possède, plus engageant et plus dangereux.
NOTRE OBJECTIF PRINCIPAL EST
la libération des talents individuels, mettant
les participants en contact ludique avec eux-mêmes, prêts au jeu
créatif du vouloir pour avoir ; le chemin de l'action efficace
pour convaincre et être évident, crédible en tous styles et
situations : sur scène, à l'écran, dans la vie et le travail.
Sachant que " dans ce métier sportif et physique rien ne vaut
que par épuisement de soi." Notre job est là, tout entier voué à
l'envol de votre moi créatif, émancipé des préjugés du
comportement stéréotypé et de ses tics, culpabilité ou
embrouilles des feedbacks de jugement..
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Nos Methodes & Techniques
(Elaborée par Robert Cordier)
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Système
Stanislavski

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Une
application à résoudre le problème le plus profond et le
plus secret de l'art du Théâtre: celui du jeu du
comédien.
Depuis un siècle l'effet Stanislavski agite, dans la
plus excitante confusion, les pratiques et discussions
sur la vie et le travail de l'acteur. Mythique avant sa
mort en 1938, l'homme qui devint une légende, radicale
en sa continuelle radiance et nouveauté, souvent remis
en cause, toujours plus grand que le stanislavskisme et
suscitant, tel qu'en son système l'éternité le change,
une vive controverse, des embrouilles, des avanies et
des injures, est immensément d'actualité ; par sa 'ruse'
pédagogique et les questions qu'il pose il reste un
mystère, qu'elles accentuent.
On commence à peine à comprendre cet incontournable
olibrius de génie, Gulliver devant les Lilliputiens, qui
comprit, observant le grand Moskvine sortir de scène que
l'art existe, justement, là où un acteur, contaminé par
les pensées et les sentiments d'un personnage, éprouve
de la peine à s'en dégager. Un tel art ne s'achète, ni
ne s'acquiert d'emblée. Il exige un effort immense.
" Le premier souci de l'artiste est de se mettre dans un
état créateur juste, basé sur la vérité, l'authenticité
et la beauté naturelle ; c'est seulement à cette
condition que se manifesteront sur scène les éléments
scéniques de l'âme qui nourrissent nos sentiments
en puisant à la source de la vie et que sera suscité ce
qu'il il y a de plus précieux en art : une création
naturelle inconsciente, un instinct artistique. "
" La vérité au théâtre est ce en quoi l'acteur croit
sincèrement. Même un mensonge éhonté doit devenir vérité
s'il doit devenir de l'art. "
-- Constantin STANISLAVSKI
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Stanislavski
(Elaborée par Robert Cordier)
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Technique
Michael Chekhov

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Un jeu
continu & inspiré.
Convergence de techniques imaginatives.
Profondeur du sentiment. Le Geste Psychologique, l'objectif en
soi. Atmosphères & qualités. Impact spirituel.
Michael Chekhov acteur, metteur en scène est, des 3
mousquetaires du roi Stanislavski, Meyerhold, Vakhtangov &
Boleslavski, le quatrième: l'étoile turbulente. Sur sa
trajectoire - Moscou, Berlin, Londres, Broadway & Hollywood, où
il tourna avec d'Hitchcock et guida de nombreuses stars, dont
Marilyn Monroe -- il a tout tenté, tout fait. Neveu d'Anton
et fieffé pédagogue il développa sa vie durant une technique
radicalement innovatrice du jeu et du training d'acteur
focalisée sur le registre de l'imaginaire qui fait 'crier'
l'intelligence, la vérité & la réalité scénique.
Par elle
et en elle plus qu'en tout autre, l'acteur retrouve son vrai
visage. Elaborée à partir des principes de Stanislavski, à qui
il était lié par des liens d'ordre affectif, et un intérêt
commun porté aux énigmes du si élusif état créatif, de la
profondeur émotive et de la sincérité du jeu, elle s'en écarte
sensiblement.
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Michael Chekhov
(Elaborée par Robert Cordier)
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Technique
Meisner

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Comportement, relations & la réalité du faire.
Sanford
Meisner était un des acteurs principaux, avec Stella et Luther
Adler, Franchot Tone, John Garfield et Clifford Odets et tant
d'autres du Group Theatre fondé par Harold Clurman, Lee
Strasberg et Cheryl Crawford, à New York en 1931.
Après la
guerre Elia Kazan et Bobby Lewis, deux membres du Group Theatre,
fondèrent l'ACTORS STUDIO, dont Lee Strasberg devint peu après
le directeur artistique. Pour Meisner, qui s'opposa souvent aux
méthodes de travail de Strasberg, jouer c'est faire ; de cela
émergent toutes les autres facettes du jeu. Dans sa salle de
classe, au Neighboorhood Playhouse, étaient postés des panneaux
: " Jouez Avant De Penser ", et " Un Gramme de Comportement Vaut
Une Livre de Mots " ; " Soyez Spécifique ! " " Répétez ! " Un
comportement actif est le matériau brut de la théorie de
Meisner, tout comme pour après lui, David Mamet qui fut son
élève.
La
Technique Meisner, dérivée de l'école russe, active et tisonne
la capacité innée des acteurs de pouvoir s'écouter. Elle leur
donne les moyens de développer cette capacité. Pas à pas, à
travers le " Jeu de la Répétitions des Mots ", la tâche
indépendante, la préparation :
"comment faire son jus" et être prêt à rouler, l'élan avant
d'entrer en scène, l'essence émotionnelle , le leitmotiv et le
travail de paraphrase des " Spoon River ", puis dans un travail
de scènes actif, affûte leurs outils rejoignant par là Louis
Jouvet qui déclarait : " Ce métier qui consiste à dire est celui
dont l'art consiste principalement à écouter ou à entendre."
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Sanford Meisner
(Elaborée par Robert Cordier)
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Technique
Meyerhold

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La
Biomécanique: La technique arme l’imagination.
Il
s’agit essentiellement, et tout à la fois, d’un jeu joyeux et
d’une méthode de formation de l’acteur: un ensemble
d’exercices d’entraînement fondé sur une connaissance quasi
scientifique du corps humain permettant à l’acteur d’accomplir
les tâches scéniques proposées, avec rapidité, précision et
efficacité, à partir d’une interprétation physique juste des
objectifs.
Se
fondant tout d’abord sur une conception mécaniste du corps
humain (Meyerhold citait volontiers les théories de Léonardo
da Vinci) la biomécanique veut explorer le corps de l’acteur
comme un véritable « laboratoire physico-chimique. »
Car
s’il est vrai que le corps de l’acteur soit cette mécanique
complexe que célèbrent de nombreux artistes d’avant-garde, ne
peut-on concevoir un mode de jeu fondé sur sa connaissance
scientifique qui soit une mécanique du vivant, une
biomécanique ?
Pour Meyerhold « l’acteur contemporain doit apparaître sur
scène comme un véritable moteur. L’acteur ne vit pas seulement
son rôle, il le joue. Le travail de l’acteur va de l’extérieur
vers l’intérieur, du corps au psychisme. ».
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Vsevolod Meyerhold
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Vakhtangov

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Une
aspiration au vrai dans l’art. Une dialectique de la
création artistique qui repose sur l’unité des contraires.
Immensément célèbre en Russie, où sa mort à 39 ans a contribué à
créer sa légende, Evgueni Vakhtangov était un praticien de la
scène accompli. En vingt ans de travail acharné, il élabora une
œuvre capitale, gazée d’une pensée toujours en action et en
devenir et d’un sens de son temps aussi brûlant et visionaire
que raisonné.
Elève de Stanislavski, ami de M. Chekhov, il fonde dès 1913 un
collectif habité par l’ « esprit de studio» propre à son époque,
cellule d’apprentissage et d’expérimentation, école de vie
autant que de théâtre. Un centre d’existence. Il connaît de
l’intérieur le Système Stanislavskien de formation du comédien
qu’il pratiquera à sa façon, bientôt déçu par
l’absence d’une véritable théorie de la mise en scène chez son
maître. Féru de formes nouvelles qu’il veut mettre en jeu, il se
tourne vers le « grand d’entre les grands », l’idole de Jouvet ,
de Dullin, de Brecht,-- Vsevolod Meyerhold. Mort trop jeune il
donna cependant cinq mise en scènes capitales dont « La
Princesse Turandot » de Gozzi et le «Dibbouk» d’Anski, chefs
d’œuvre qui firent de lui un des principaux inventeurs de la
scène du XXe siècle.
Il prouva également, à travers son travail avec les acteurs, que
la «méthode » placée en de bonnes mains ne produisait pas
seulement un jeu réaliste, mais plutôt que le processus de la «
justification intérieure »-- cher à Stella Adler et à Strasberg
- était une technique nécessaire à même un processus créatif,
quelque soit le style de jeu désiré.
De ses écrits passionnés nous présentons ici quelques aperçus
essentiels sur les devoirs et les responsabilités de
l’acteur/créateur au travail et sur la préparation du terrain
pour le processus créatif de l’élève. Ceci nous a inspiré dans
notre cheminement et nos propres recherches sur le jeu à Acting
International.
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Evgueni Vakhtangov
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Stella Adler

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Imagination, circonstances données et action physique.
« Ta vie
est un millionième de ce que tu sais. Ton talent est ton
imagination. » -- Stella ADLER
Stella ADLER, l’un des plus grands professeur de théâtre du
20ième Siècle est très vraisemblablement le professeur de
théâtre le plus important de l’histoire américaine.
Elle débuta en tant que disciple de Stanislavski, mais durant sa
carrière, à la fois à New York et à Hollywood, enseignant des
générations d’acteurs qui devinrent à leur tour des lumières et
des fers de lance du théâtre et du cinéma, elle continua à
raffiner son style et sa légende. Ses décennies d’expérience et
d’enseignement sont inscrites en grandes
lettres au fronton du Paradis de notre métier.
Pour elle créer de manière imaginative était le fond de jeu de
l’acteur. «Les aspects de tes pouvoirs d’imagination vont te
choquer,» elle disait souvent. «L’Imagination» était, en effet,
la clé de l’entrée de l’acteur et de sa réentrée «
toujours-pour-la-première-fois » en son rôle. Pour l’acteur la
technique du faire sien le monde de la pièce s’axait sur le
faire et non le sentiment. Pour elle, toute situation qui
partait sur le dire du texte était une fausse situation.
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Stella Adler
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Louis Jouvet

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«Si l’art n’agrandit pas la sympathie humaine, il n’a aucune
valeur morale» -- Louis JOUVET
Acteur incomparable sur scène et à l’écran, admirateur et proche
de Meyerhold, ami de Dullin et d’Artaud, Louis Jouvet, venu au
métier dans la mouvance de Jacques Copeau, fut un grand
animateur de théâtre. Il reste l’une des plus belles âmes
pensantes autant qu’une tête chercheuse fulgurante, du métier de
théâtre « dont le cinéma est une branche ».
Ce cinéma qu’il secoua si bien et où il sévit avec toute la
ferveur, l’intelligence cynique de son métier et l’angoissante
coquetterie, conséquence d’une adolescence théâtrale cruellement
déçue, de son talent. Metteur en scène en vogue et lumineux, il
fut au Conservatoire un inoubliable professeur de tragédie, de
drame, de comédie. Hélas…
«La profonde joie d’ouvrir aux jeunes gens les richesses de mon
métier de chercher à leur révéler les trésors de notre
répertoire dramatique, de les exercer, m’a depuis été retirée
sans un mot d’excuses ou d’amitié sans une justification digne
d’être articulée. Nous en parlerons une autre fois…»
…vous comprendrez qu’on le jeta, comme un malpropre… Mais, Oh,
justesse ! ce comédien désincarné presque parfait, ce professeur
de génie mais «tourmenté et inquiet, assoiffé de foi et
d’exaltation. Grand cynique aussi qui, aussi dévoué au théâtre
qu’il ait été apprit vite et parfaitement à hurler avec les
loups,» est aujourd’hui, et à jamais, réincarné en mille étoiles
qui dansent.
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Louis Jouvet
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Charles Dullin

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«
Dullin est imparable.Grotowski est unique,» dit Peter Brook,
Grotowski admirant Dullin aimait Artaud qui fut élève chez
Dullin.
C’est un fait avéré que l’influence de Dullin, à travers Artaud,
Barrault, Marceau, Cuny, Marais, Renant, Vilar, Dhomme et tant
d’autres est, autant que celle de Shakespeare, Molière ou
Stanislavski encore déterminante aujourd’hui.
Charles Dullin, qui reste un feu central, eut très tôt
l’intuition d’un nécessaire métaphysique de la parole, du geste
et de l’expression loin des sentiers battus textuels d’un
théâtre « mortel » et du piétinement psychologique.
Les méthodes qu’il a enseignées, les formes qu’il a créées de sa
fantaisie créatrice, en son théâtre de l’Atelier, qu’il appela
un laboratoire d’Art Dramatique ont marqué cet art à- jamais.
Cet Art dont elles sont l’essence même.
Dullin et Grotowski, le jeune disciple polonais de Stanislavski,
ont formulé les clés - méthodiques du travail psychophysique de
l’acteur qui, aussi important que soit le verbe, « porte » le
théâtre. Pas de théâtre sans l’acteur qui emplit l’espace de son
règne.
« Ce
qu’il a apporté à l’histoire du théâtre, nous le verrons quand
nous tenterons de dresser un bilan de l’expérience du théâtre du
Cartel. (Baty, Jouvet, Dullin, Pitoëff). Sa part fut peut-être
la plus profonde, mais aussi la plus imprécise ; et si, plus que
tout autre, son exemple survit, il le doit à ses élèves en qui
il a allumé une flamme et une exigence inextinguible. »
-- Sylvain DHOMME « La mise en scène d’Antoine à Brecht »
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Charles Dullin
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Bertolt Brecht

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Grimper vers le concret. Jouer naïvement. Dialectiser. Montrer 2
fois plutôt qu'une.
Dramaturge épique. Un homme- poète de théâtre, Brecht qui tenta
toujours dans ses écrits et ses mises en scène de rendre plus
concrets, & souvent avec bonheur, l'art du théâtre et ses
métiers, n'a malheureusement pas créé d'école d'acteurs; il n'a
donné ni cours ni consignes particulières à des élèves payants.
Pourtant ce géant de la lutte des idées, ce scéniste de la
dialectique, sachant que c'est en enseignant, art difficile !
que l'on apprend le mieux, chose qui l'est autant, ouvrit tout
grands les yeux des gens du métier, des étudiants, des
écrivains et pékins aux beautés et servitudes du théâtre dont le
cinéma est une branche.
Tout
Brecht - pièces, poèmes, essais, mises en scène -- bref son
œuvre dramatique, envisagée comme une succession d'expériences
théâtrales-- est un précis d'apprentissage, d'usage et de
maîtrise de l'art du théâtre utile et concret. Par son envergure
et surtout la distance qu'elle parcourt son œuvre restera l'une
des plus pertinentes & belles leçons de travail théâtral ('
theatrearbeit') de tous les temps, " Dans la pratique on fait un
pas après l'autre ; la théorie, elle, doit couvrir la distance,
" disait-il.
Cette
distance - son œuvre écrit compte + de 8,000 pages-- il l'a
largement tenue. Lorsque l'acteur anglo-américain Charles
Laughton, qu'il avait " hypnotisé d'emblée " par son génie, son
savoir sur le jeu et la dramaturgie autant que par sa mâle
assurance " sur les seules choses qui comptent : l'amour, le
sexe & le théâtre ", Laughton qui, lui, n'était sûr de rien ni
surtout de son immense talent, déclara : " Je crois qu'il y a
Shakespeare et puis Brecht. " Il ne se trompait pas. Bientôt et
ensemble, s'apprenant l'un l'autre avec la passion de deux
artistes qui veulent une chose que seul l'autre peut leur
donner, ils allaient " construire " une machine de guerre
théâtrale décisive, " Galileo. "
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Bertolt Brecht
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Lee Strasberg

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Vérité et émotion : se servir de soi en public.
L’influence de l’enseignement de Lee Strasberg, mondialement
reconnu pour avoir produit trois générations d’acteurs,
d’auteurs et de metteurs en scène, continue à s’étendre : «The
Method » reste un style de jeu en constant et glorieux flux. Des
nombreuses approches de l’enseignement et de la pratique du jeu
de l’acteur de Strasberg trois aspects principaux ressortent: la
relaxation, la concentration et la mémoire affective.
Contesté pour son insistance sur l’importance de celle-ci par
Adler – «Strasberg est mort. L’acteur ne peut pas se permettre
de tout bonnement regarder dans sa propre vie pour tout son
matériau, ni tirer sur la ficelle de son vécu pour y trouver ses
choix de jeu et ses sensations, » et par Meisner « Si j’ose le
dire, mon approche est beaucoup plus saine que celle de
Strasberg. (…) Je suis en désaccord avec lui de toutes les
manières possibles.
Cependant nous ne sommes pas en bisbille en ce qui concerne le
résultat final » ou vivement détesté par Marlon Brando, il n’en
reste pas moins vrai que pour son amour et connaissance profonds
du théâtre et de la méthodologie de Stanislavski, « le rêve
d’une passion » du jeu de l’acteur qu’il garda toute sa vie ou
même, et ne fusse que, pour avoir ‘inventé’ ce formidable
exercice libérateur -- ‘Song and Dance’—il reste à jamais un
phare, une espèce d’Etoile du Nord du métier de théâtre.
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Lee Strasberg
(Elaborée par Robert Cordier)
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Méthode
Antonin Artaud

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L'
ETRE INTEGRAL DE POESIE.
LA MACHINE DE SOUFFLE. LE THEATRE C'EST LA LIBERTE, LA LIBERTE,
LA LIBERTE. LA LIBERTE SANS TRIADE. LA LIBERTE ABSOLUE DANS LA
REVOLTE.
"
Savez-vous au juste ce que c'est que la cruauté ? " Hein ? Et le
théâtre de la cruauté ? "'Cruauté' quand j'ai prononcé ce mot, a
tout de suite voulu dire 'sang' pour tout le monde. Mais,
'Théâtre de la cruauté' veut dire théâtre difficile et cruel
d'abord pour moi-même. "
En 1923 Artaud, acteur alors si beau & puis décorateur à
L'Atelier de Charles Dullin, écrit à Jacques Rivière, directeur
de la "sacro-sainte N.R.F" qui refuse de publier ses poèmes du
Pèse-nerfs : "Je souffre d'une effroyable maladie de l'esprit.
Ma pensée m'abandonne à tous les degrés. "Et cependant cet
acteur-là, ce "petit poète a l'imagination stupéfiée, " a allumé
d'un jet de mots de sang avec le Théâtre de la Cruauté " cette
harmonieuse discorde, " les feux du théâtre nouveau.
Carbonisant les formes éculées de l'effort scénique, il l'incite
et le lance, remis tout à neuf, dans une "certaine direction"
décisive.
Puis,
'l'homme' s'engage dans une longue ascèse à la conquête de sa
liberté de poète. Sa vie durant, voyant envoûté, il a relevé les
feuilles de température du Fabuleux Invalide et du
Cinématographe et pris les plus beaux clichés mentaux,
hallucinants, certes, mais tellement justes de leurs futures
éternités.
Capitalement du ciel de son esprit, des enfers de sa viande et
sexualité ; d'une prose au rasoir aux mots bourrés de gris-gris,
écrits pour les analphabètes, celui qui disait, "Je suis un
génital inné, à y regarder de près cela veut dire que je ne me
suis jamais réalisé", se "refait", retrouvant dans le Feu et y
faisant un corps, qui nous signale du bûcher, & "per non morire"
la vie du vrai théâtre en un chef-d'œuvre sans pareil, " Le
Théâtre et son Double, " une série de textes qui proclament une
révolte qui se confond à la fois avec sa nature et sa présence
magnétique, qui " entraînait avec elle un paysage de roman noir,
transpercé d'éclairs. " -- André BRETON
Lire +
dans la la brochure d'Acting sur Antonin Artaud
(Elaborée par Robert Cordier)
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15 outils
de base

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CREDO : les principes fondamentaux de notre méthode de
travail sont :
- que l'acteur doit saisir et savoir se servir artistiquement &
de manière ludique & imaginative des mécanismes & schémas du
comportement humain, sans jamais oublier que son corps est un
animal
et que le personnage, au cinéma, est quelque part au-dedans de
l'acteur lui-même.
- que l'émotion est le résultat d'une interaction avec le monde
réel qui est un fait. Dans une pièce ou un film le monde est une
fiction que nous devons transformer en une chose ressemblant un
fait. Le réalisateur et les acteurs doivent convaincre les
spectateurs que les personnages sur l'écran sont de vrais gens ;
à partir de l'illusion, il faut rendre leurs histoires
crédibles.
L'unité correcte d'étude n'est pas la pièce, ou le scénario;
c'est la scène. Le personnage veut-il aider son copain à séduire
une femme qui le rejette? Examinez comment, à travers quelles
actions, le personnage 'le fait' dans cette scène? Faites un
choix. Etre artiste c'est savoir faire des choix. En la poussant
dans ses retranchements ? En la titillant ? En la charmant ?
Bien. C'est tout ce que l'acteur, vous ; devez accomplir dans
cette scène. Découpez les grandes tâches en petites tâches, ou
'beats'
('unités'/'units') et accomplissez ces petites tâches. Juste
comme un boxeur monte dans le ring avec un plan de bataille,
pour ensuite gérer, avec l'autre, l'adversaire/partenaire, à
travers une écoute supra active ('guessing out'), le moment à
moment du combat. Ainsi en va-t-il de vous, l'acteur. L'unité
correcte d'application est la scène.
Lire +
dans la la brochure d'Acting " Les 15 Outils"
(Elaborée par Robert Cordier)
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C'est
quois être acteur?

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Petit briefing, sous forme de questions et réponses, vers une
carrière:
Question : Comment devient-on comédien?
Réponse : On ne devient pas comédien : on l'est ou on ne l'est
pas. Si on ne l'est pas d'emblée on ne le deviendra jamais.
Question : C'est quoi être acteur ?
Réponse : C'est une disposition physique, nerveuse et mentale
qui permet à tel ou tel individu de jouer et de faire vrai
poétiquement dans des situations imaginaires. C'est un goût, un
désir qui devient vite un besoin impératif de s'exprimer. Une
capacité d'augmenter en soi la vie, une ardeur à écouter son
partenaire. A se laisser porter par lui et le texte. La voie
expresse de l'invention, par laquelle le bon acteur propose et
se libère de ses peurs, devenant par là libre d'agir.
Question : Comment passe-t-on professionnel " ?
Réponse : En se comportant comme un professionnel. L'on doit
travailler, étudier, et manger de la vache enragée comme un
professionnel. Jouer requiert beaucoup de rigueur, de discipline
et d'humilité. Un pro doit être à l'heure et se sentir à
l'heure.
Question : Comment une jeune personne peut-elle savoir si elle
peut devenir un acteur ?
Réponse : Vous ne devriez devenir acteur que si vous ne pouvez
vivre sans jouer. Si vous allez mourir spirituellement si vous
ne devenez pas acteur, ou bien si rien d'autre ne peut faire
votre bonheur. Entrer dans la profession me semble souvent
équivalent à se faire admettre de plein gré dans un asile
d'aliénés. Tout le monde peut être candidat, mais seuls les fous
certifiés peuvent entrer.
Lire +
dans la la brochure d'Acting "C'est quois être Acteur?"
(Elaborée par Robert Cordier)
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Votre
carrière

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Tout comme Flaubert disait " Madame Bovary, c'est moi, " dites
vous ceci " Ma carrière c'est moi ! " Belle, glorieuse ou ratée,
ça sera vous, votre caractère et votre désir de réussite, sans
jamais plier les ailes, sachant que si votre ténacité à la gagne
qui, ainsi que l'aimant le fer attire la chance, compte
immensément, elle n'est pas tout. La valeur profonde de
l'acteur, son succès éventuel étant tous deux fortement liés à
la richesse de sa personnalité, et à sa force de caractère ; à
sa volonté alliée au
talent qu'il possède.
Le métier de théâtre diffère de beaucoup d'autres professions
parce qu'il est une manière de vivre. C'est un métier, oui. Mais
de ce métier, de cette façon de vivre, la pratique essentielle
est dans : " le renoncement de soi pour l 'avancement de
soi-même. "
Le besoin de jouer d'un jeune acteur est plus fort que la mort.
On pourrait penser que cette ambition est un désir de vanité,
motivée par le fric, une série à la télé, le succès ; le
fantasme de voir sa tronche sur l'arrière train des autobus.
Même si l'acteur déclare que c'est ça qu'il cherche, la vérité
n'est pas tout à fait là. La vérité vraie est celle-ci : il veut
redonner au monde un peu d'une certaine abondance du cœur qu'il
" hume " en lui...
Lire +
dans la la brochure d'Acting "Votre Carrière"
(Elaborée par Robert Cordier)
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Direction
d'Acteurs

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Diriger les acteurs ou les former, n'est pas sévir, mais
s'effacer. Pour mieux s'insinuer en eux. Mais si celui qui
dirige et vit en ses acteurs-- pour mieux reconnaître la nature
de ce qui se passe, 'dans ce creuset de viande vraie' -- n'y
meurt à point nommé, tel le grain de blé, la moisson sera maigre
côté cœur. Le spectacle (ou film) sera juste un objet
conceptuel, une pauvre parade scénique, et non la vraie vie, sa
cruauté (et ses questions) transfigurées, poétisées, transposées
à l'échelle du
théâtre. L'ange du théâtre, restant de marbre, ne volera pas. Le
public laissé sur sa faim, plongé dans l'ennui, sera lésé de son
bonheur: le plaisir du théâtre vrai.
La direction d'acteur est l'art très subtil de tout à la fois se
faire oublier au bon moment et de mettre les pieds dans le plat,
quand il le faut. Celui qui dirige doit être dans l'acteur,
profondément. Puis, le moment propice venu, bien digéré, ne
pouvant guère plus pour ceux qu'il a guidé avec
amour, vers l'essentiel de l'oeuvre : le super objectif, son
thème, ses événements et objectifs mis en actions-- celui qui
dirige doit tirer sa révérence ; il s'absente, tout en restant
là, s'occupant des costumes, des lumières, du son. Il laisse
faire l'acteur.
Mais, qu'est-ce que c'est donc un acteur ? C'est quelqu'un qui
s'agit, faisant vivre à ses dépens un personnage inventé. Un
être capable de s'insinuer dans la connaissance de la chose à
représenter: ce qu'on joue. Et le personnage ? C'est le défi
fait de mots qui l'a accosté, qu'il jouera, trouvant son âme et
ses vérités. Celui dont il vivra la vie, à ses dépens, une vie
qui lui emplit la conscience. "C'est toi + lui (ou elle) à qui
tu donnes asile". Celui qui te possède, corps et âme et âprement
et qui t'enchante. Si tu n'adores pas être lui, tu ne peux pas
le jouer.
Lire +
dans la la brochure d'Acting "Direction d'Acteurs"
(Elaborée par Robert Cordier)
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