SPECTACLE 1

Mise en scène: Robert Cordier

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Nous assénerons un coup de maillet sur la grosse caisse à propos des spectacles du STUDIO ATELIERS / SPECTACLES, dont beaucoup ont fait carrière, tels que « SAVAGE/LOVE » de Shepard – 950 représentations … « JE ME TIENS DEVANT TOI NUE » de Joyce Carol Oates (+ de 250 représentations) et tant d’autres. Suit un digest critique. Veuillez noter que ces critiques (*) s’appliquent à des spectacles montés par Robert Cordier avec des élèves d’Acting, dont de nombreux sont aujourd’ hui, à notre grande fierté, des fers de lance de la profession. Ceci incita un grand critique à dire :    « C’est New York à Paris… LA VOIE RAPIDE VERS UNE CARRIERE «  --Gilles COSTAZ

Quelques critiques sur nos spectacles montés avec nos élèves :

« Un théâtre jeune et ardent*** » PARIS MATCH/ »… toujours convaincant ! » Le MONDE/ » Très bons acteurs. » Ariel WIZMAN (Canal +) « Formidable spectacle.» FIGAROSCOPE /  « Excellent… Foncez-y. »  LIBERATION/ »Les critiques sont d’accord :UN MUST. »/ALLO PARIS/ »Des comédiennes inspirées, drôles, fougueuses … mise en scène impeccable. » L’HUMA/ »Un vaste talent. TOP ! » BACKSTAGE, N.Y./  «  … ne cesse de fasciner… instinct et maîtrise. Voilà du théâtre. » LES TEMPS MODERNES/ J.P. Sartre/ »Ferveur & savoir-faire. Allez-y ! »  INTERNATIONAL HERALD TRIBUNE/ » … une acuité toute moderne des textes mis en scène. Ceci, tablant sur la création et une interrogation moderne des classiques, nous fera déserter en courant certains théâtres très officiels. »/Le MATIN/ »Quoi qu’il se passe chez Cordier, moi…je suis subjuguée. »K.G. Nulle Part Ailleurs/ CANAL+ / »Dévastateur… des choses étonnantes…implacable… superbes… c’est extraordinaire ! »Le Vif/L’EXPRESS/ « A NE PAS MANQUER ! » P. Chemin de EN VILLE/7 à Paris/ « Simplement formidable. » La VANGUARDIA : Barcelone / « Qu’il s’agisse de l’américain Shepard, de Genet, ou de Claus, d’Ibsen ou de Strindberg, Robert Cordier est un de ces trop rares metteurs en scène qui vous envoient le théâtre comme un coup de poing dans le plexus solaire. » DRAPEAU ROUGE/Bruxelles/ « Le meilleur du théâtre-off à Paris. » IL TEMPO/ROMA : « Des fulgurances qui valent le déplacement. Sellars ou Fassbinder en son temps n’aurait pas désavoué. « /LE SOIR « MAGNIFIQUE !! »PARIS/PREMIERE/TV/ « On ne peut ne pas faire mieux…enchantant. »BBC/Londres/ « Hilarant. »WEB CITY/Paris/ « Marrant, violent ! Theme : le couple !Un foutoir monstre. Pas banal ! »CHARLIE HEBDO/ « Le talent le plus original apparu dans notre théâtre depuis de nombreuses années. » Murray SCHISGAL / « Un feu d’artifices poétiques, un cocktail explosif… tous ces jeunes acteurs … comme sortis d’un film de Scorcese sont… des graines de stars pour la plupart. »GAI PIED/ « Eblouissant… le coup de jeune que le théâtre attendait. «  Le MATIN/ « MAGIQUE. A VOIR ABSOLUMENT !  « /COSMOPOLITAN/ »  Les superlatifs manqueraient… détonnant spectacle…tout y est… le metteur en scène tire des effets comiques inouis… digne du meilleur Woody Allen… spectacle CHOC & à voir. «  GAI PIED HEBDO/ »Sexy ! … Direction excellente des rythmes et de la langue. Le jeu des acteurs trouve les tripes sous les mots. Emporte la partie. »/ « Sexe ,vérité et pelotage… DU CINEMA EN CHAIR ET EN OS … choréographie… belle étrange… une pièce dérangeante et ironique … à la fois Garbo et Woody Allen. » GLAMOUR / «  ZUCCO & EDMOND : L‘intention de Cordier n’a pas seulement valeur d’exercice pour les jeunes acteurs, soumis à un rude training, et déclinant toutes les facettes de leur savoir-faire … un superbe coup double. »LIBERATION / « Nous décernons 3 *** aux comédiens novices et bilingues. La « Robert Cordier’ Touch » montre encore une fois son efficacité cinglante dans la direction d’acteurs. Quel  savoir diriger ! » L’HUMANITE / « REMARQUABLE !! » L’EVENEMENT DU JEUDI / « HORS PAIR !! A couper le souffle ! » FLUIDE GLACIAL/ «  Comédiens parfaitement dirigés. »  Le FIGARO/ « Des jeunes acteurs remarquables. » VSD/ « Simplement FABULEUX ! » PARIS PREMIERE.

ATELIER VOYAGES - LE BOUFFON

Director: Hervé Laudière

This workshop used to be dedicated to modern writings: Tennessee Williams, Jean-Paul Sartre, Adamov, Sam Shepard, Harold Pinter, Dario Fo, Heiner Müller, Joyce Carol Oates, David Mamet, Bernard-Marie Koltès, Xavier Durringer and other leading playwrights. This year, we’ll travel/move towards Shakespeare, Ibsen, Jarry, Fo and de Ghelderode …

One - through clowns – a parody of ourselves:
Body deformation, walk/gait caricature, speech distortion – we will strive for monstrosity, animality, cruelty and derision. The entire body becomes a mask. Through individual and group exercises, we will try to put in space the mystery of things and reach the ‘crazy’ territory of tragedy.

Two – the insane character/the fool – supreme provocateur/firebrand, he transgresses/oversteps/violates every limit and moves the landmarks – he only breathes through acting and strives for the stake of a scene, compelling the actor to be constantly awake, in a state of maximal consciousness and open-mindedness, allowing him to change very quickly of state, emotion, axis. He leads us that way :

Three – on the trail of the insane characters:
Shakespeare’s plays include the whole range of insane characters: the trio of the Fool, Lear and Edgar in King Lear, Richard III, Hamlet - Ophélie, Lady Macbeth, Puck and Bottom in Midsummer Night’s Dream, but also : Folial in de Ghelderode’s Escurial, Mistero Buffo of Dario Fo, Ubu of Alfred Jarry, Peer Gynt of Ibsen

After "the neutral state" and "the clown", the work on "the insane character" is the climax that puts an end to the career of actors anxious to improve and widen their acting and interpretation ability.

TRAVAIL DE L'ACTEUR SUR LE ROLE

Director: Alexandre Velikovski

Observing the past of theatre and watching the current theatre posters, one might notice that well often, theatres present the same authors and the same works, whatever classical or contemporary theatres. We could think that everyone knows these works, that the stories are known for long, that the period and place of the action don’t change, that the heroes are always the same … What advantage do theatres may have in presenting plays so often staged?… What advantage do spectators have in seeing again and over again a play of which they know the story by heart? … Of course, you’re going to say that a great part depends on the director’s vision … on the set designer’s vision… all shows are different… And some will add… that the actors are also different, which is as well important, of course …It’s true, we will acquiesce, it is important, but the most important is that they are not just different, it’s that the acting profession enables us to understand and present the same character in an infinite quantity of ways, according to what the actor does and how he acts on stage.

During our courses, we’ll try, through practical, to understand that it is really so. Diving into the author’s texts, we’ll see that the actor, acting the same role, dealing with the same text, can, like a magician, completely change – sometimes to the point where he becomes unrecognizable – transforming often radically the idea we had of a drama character.

You might hear the rumor according to which the acting profession – the actor himself – depends on the director, the author, the producer, etc… The actor’s work is also often reduced to a simple function, to the fulfillment of exclusively someone else’s will… All along our work, we will try to explore this area where the actor, who is by definition the performer, remains in the end an independent creator, this area where nobody but him can create!

ATELIER MICHAEL CHEKHOV

Director: Alexandre Louschik

Les clefs d’accès aux sources d’inspiration du travail créatif du comédien. “L’inspiration ne se commande pas, elle est capricieuse, c’est pourquoi  l’acteur doit avoir une solide technique à sa disposition.” - Michael Alexandrovitch Chekhov

Objectif de l’atelier:

Rendre le comédien plus inspiré et libre dans son travail, plus indépendant,

et lui donner un accès plus immédiat aux sentiments de grande ampleur et profondeur (c’est-à-dire à la matière nécessaire à la création théâtrale).

Thèmes des exercices:   

  le sens de l’aisance: atteindre la légèreté intérieure 

  l’attention: comme instrument d’exploration active 

  l’imagination: rendre l’imagination plus créative et plus libre   

  l’atmosphère: de l’espace, du personnage, d’événement etc. 

  l’action avec coloris: comme clef pour atteindre les sentiments  recherchés 

  tempo-rythme et la pause:  découvrir le lien entre l’action interne et externe 

  la corporisation et l’incarnation du personnage : le corps et le centre imaginaires 

  le geste psychologique: geste de l’âme, du “corps émotionnel” 

  le rayonnement: libérer /mettre en marche /éveiller /utiliser la charisme de l’acteur,

   son rayonnement interne  

  la réceptivité: savoir capter intentions, pensées, sentiments, atmosphères etc.

Les techniques psycho-physiques, une approche originale du travail du texte, et la création de personnages seront également proposés pendant l’atelier

Grand comédien, metteur en scène et pédagogue, Stanislavski disait de la “Méthode” qu’il avait  “découverte” qu’elle était faite pour être développée et servir de base pour que chacun de ses élèves crée la sienne propre. Stanislavski considérait Michael Chekhov comme l’un de ses meilleurs élèves en tant qu’acteur, metteur en scène et pédagogue. “Virtuose” de la méthode Stanislavski, Michael Chekhov a su tracer de nouvelles perspectives et mettre en valeur des approches nouvelles de la “Grande Méthode”.   Les techniques créatives de Michael Chekhov ont beaucoup influencé le théâtre russe, européen et mondial.

“Si la Méthode de Stanislavski est une grande école, l’approche, la méthode que je propose, c’est l’université pour l’acteur”,  disait Michael Chekhov. Cet atelier propose d’aborder les fondements de cet enseignement. 

L'ALEXANDRIN

Director: Manu Doublet

« There are no words yet, only syllables and rhythms.», Paul VALERY, De la diction des vers
But what is an alexandrine? :

The alexandrine is a verse of twelve syllables. Among these syllables, some are stressed; others are unstressed. It depends on whether they obey or not either to the tonic stress. The subtle variations/rebounding of these unstressed syllables encountering or holding with the stressed syllables compose the alexandrine’s rhythm.

In addition to its twelve syllables, the alexandrine is divided in many rhythmic elements. We call rhythmic element a group of words expressing a simple and unique idea. Generally, the tonic or rhythmic stress is placed on the last syllable of any rhythmic element.

After the sixth syllable of any alexandrine, there is what is called the pause, or caesura. This caesura divides that way the alexandrine in two hemistiches.

Que toujours dans vos vers le sens coupant les mots
Suspende l’hémistiche et marque le repos. - Boileau, Art Poétique

If you want to act the alexandrine, « Don’t rush into getting to the meaning… Remain in a pure musical state until the moment when the meaning, coming little by little, won’t be able to harm the music’s form anymore.. » said Paul VALERY

In the whirl of passion always generated by the play in alexandrine, search for the breathing… get to tenderness, violence only in and through music. And remember that the execution always relies on one of the three major points of the saying and the acting: the feeling, the breathing, the length of the verse or the sentence.

Above all, it is important to BREATH, to never suffocate. Words are actions. The rhythm makes them live and fly… and the actor is a word taster.

ATELIER AUDIONS & CASTINGS

Director: Christophe Lemaître

During the first two trimesters, the actor increases his knowledge of the work on set. So here, we focus on his future. Even if his experience is still at its beginnings, he has to find work, he must play, practice the profession he is acquiring. He will answer to various demands and will have the occasion to hold many auditions for a part. Castings are the inevitable intermediaries to access a shooting. But there are many actors and many casting directors. That is why it is important to know how to deal with these meetings. They are decisive for the success of the actor’s work. It is indeed important to be yourself, to be natural, spontaneous, but not to the detriment of professionalism. It is important to be ready in order to give yourself during an audition. At this moment, the acuity of the actor must be particularly effective. He has to catch, understand, analyse, illuminate his character in no time. We are far from theatrical rehearsals where the approach towards the other is progressive and can take weeks.

To improve his capacity and prepare him to these contacts with castings, we work on several points that contribute to strengthen the actor’s personality.

Concentration has to be optimal so that the actor focuses on the only goal of his work: managing to affect the other, the one that watches and listens, the one that decides, the casting director. Because even if the actor is good, the casting always is a mere step, he can seduce but above all he mustn’t cheat. If the actor is chosen, he will be free to deepen his work and propose something more subtle, deeper, and clearer than during the audition.