INSCRIPTIONS  2009 / 2010 OPEN

 October 2009 - July 2010

FLASH SHOOTING

Intervenant: Robert Cordier

Tournages à l’arrache. L’unité d’étude est la scène. Repérer ses dynamiques et saisir son lieu, ses circonstances et son contenu afin d’apprendre à lui donner une forme visible. Savoir tranduire l’objectif en actions tactiques à travers un comportement évident, crédible et fort en sa réalisation à la caméra.

ce tournage sera visionné en classe

TOURNAGES

Intervenant: Franck Llopis (Réalisateur, Producteur)

Une pratique hands-on des tournages après analyse des textes. Savoir accomplir chacun de ces « morceaux de jeu » simplement. Sachant exactement où déployer son énergie, savoir adhèrer au cadrage, comprendre l’importance de la continuité, assurer une logique de comportement sur la durée et manipuler créativement les accessoires.

ce tournage sera monté et edité sur un DVD

IMPROVISATIONAL ACTING

Intervenant: Clara McBride (RADA - Royal Academy of Dramatic Art, Londres)

Cogner têtes, cœurs & âmes. Amener l’acteur à l’autonomie. Apprentissage de la connaissance de soi, de sa voix et de son corps. Développer la confiance, acquerir l’habilité de transformation, apprendre à être à l’aise en laissant venir l’inspiration et en libérant l’énergie créatrice.

le travail aboutira sur un tournage qui sera monté

ACTING & L'ECOUTE ACTIVE

Intervenant: Eve Brian (Auteur, Réalisatrice)

Premières approches pratiques du jeu futur pour la caméra, votre amie. Le travail porte l’accent sur la spontanéité de l’acteur, son instinct, sa nature propre et sur ses facilités à faire place en lui à un personnage donné, puis au comportement de cet autre. A travers l’écoute active, précipitant des réactions immédiates il ira à la rencontre du partenaire. Ainsi à partir du décryptage des situations, l’élève comédien « ira » à la vérité et à la réalité du faire et agir pour la caméra.

le travail aboutira sur un tournage qui sera visionné en classe

AMERICAN FILM ACTING

Intervenant: Bertrand Veyne (La FEMIS)

Premiers textes & «impros » à la caméra. Etudes de l’Objectif & des actions qui en découlent.. Libérer votre inconscient à travers une technique bien intégrée; laisser la caméra jouer; choisir, préparer et s’impliquer pleinement dans les désirs et besoins du personnage; explorer, tout en acceptant les données du scénario et les indications du réalisateur; comprendre le but de la scène et tout faire pour accomplir cet objectif...

ce tournage sera visionné en classe

LE CORPS ET SON CENTRE EMOTIONNEL

Intervenant: Pascal Castelletta

Un training axé: sur le développement crucial des images intérieures, afin de découvrir leurs  formes & « pointures » émotionnelles &  les enclaver au corps de l’acteur ; puis basé sur  la définition  de la ligne des actions physiques en  leurs rapports avec la logique du fictif & la métaphore afin de pouvoir  s‘impliquer librement & organiquement dans les propositions de l’action. D’entrée de jeu,  il s’agit d’émoustiller puis de concrétiser l’imaginaire de l’acteur, le rendant palpable à lui-même & à l’autre – public & partenaires de jeu. Ainsi, l’acteur, devient authentiquement vivant & réel, à même les circonstances imaginaires proposées. Il pourra alors s’engager à les revivre prise après prise, soir après soir aux confins des circonstances imaginaires, là où tout est faire & refaire.

L’Acteur et sa propre Image

Intervenant: Alexandre Velikovski (Académie Vakhtangov, Moscou)

L’approche du corps & de l’âme du personnage, à travers ce qu’il dit et fait et comment. On peut définir le but des premiers cours de formation d’acteur avec les mots de Stanislavski : « sur scène, … on oublie tout : comment dans la vie on marche, comment on s’assied, on mange, on boit, on dort, on parle, on regarde, on écoute – en un mot, comment dans la vie on agit intérieurement et extérieurement. Tout cela, il faut le ré-apprendre sur la scène, exactement comme un enfant qui apprend à marcher, parler, regarder, écouter. »

Pour créer, le peintre a besoin de pinceaux et couleurs, l’architecte de matériaux de construction, le musicien d’un instrument… Mais de quoi l’acteur a-t-il besoin pour son travail ? L’acteur a besoin de …lui-même. Il se trouve être lui-même à la fois interprète et son propre instrument ! Ce qui veut dire qu’il faut apprendre soi-même à pouvoir jouer sur soi-même ! C’est sur ce savoir-faire de l’acteur que nous travaillerons pendant nos cours.

Bien entendu, tout cela est la base même du travail artistique de tout acteur dramatique, quelque soit le domaine et le genre.
C’est néanmoins le cinématographe qui utilise de façon la plus directe la caractéristique type de l’acteur, son apparence, les particularités de sa personnalité. De l’acteur on exige le maximum de naturel, un ensemble organique… - la caméra ne supporte pas la moindre fausseté, la moindre exagération… Ce qui veut dire que l’acteur de cinéma doit être capable plus que tout autre de dévoiler totalement sa personnalité dans toutes les situations (circonstances données) proposées par le scénario.

Que peut être le Moi dans les différentes circonstances données ? Qu’est-ce que des « circonstances données » ? La recherche pratique de réponses à ces questions, et à bien d’autres – voilà aussi le sujet de nos cours.

L’essentiel, c’est de réaliser que sans une compréhension de soi, sans la capacité de se diriger soi-même, il est tout simplement impossible d’éprouver de la joie et du plaisir grâce à son travail… - ce à quoi il semble que nous aspirons tous !

1 ATELIER EN +

Comprendre vos interlocuteurs et les membres de votre équipe dans le milieu du cinéma. Savoir répondre à leurs attentes, gérer les situations difficiles, comprendre le but de chaque démarche au sein de l’équipe. Directeur de casting, producteur, réalisateur, directeur photo, caméraman, ingénieur son, monteur, etc.